entre un espacio y otro

Conversación virtual con Rodolfo Sousa y Manuel Márquez 

(La versión corta se publicó el 15 de febrero de 2013, bajo el título "Inauguran Especies de espacios. Ejercicios procesuales en torno a la galería como recinto cultural" en la sección Cultura del diario Oye Veracruz.)

(Carmen María) ¿Cómo surge la idea del proyecto Especies de Espacios o cómo es que se involucran en el proyecto?

(Manuel Márquez) Me involucré por invitación directa de Nicolás Guzman, quien es un muy buen amigo mío, y con quién comparto muchos puntos de vista sobre cómo abordamos y cómo pensamo el arte, aunque cada quien desde su respectivo campo de trabajo. Él desde la gráfica, la instalación y el ensamblaje; y yo desde la imagen fotográfica, el video y la teoría crítica. Era una buena oportunidad de exponer en Xalapa después de haberme ido de la ciudad en 2010. Además me atrajo mucho la idea de tener carta libre para exponer lo que deseáramos y de hacer una pieza que tratara un poco acerca de Xalapa.

(Rodolfo Sousa) No sé exactamente como surgió, yo creo que ocurrió en dos o tres partes. Primero Nicolás me incitó a escribir el proyecto con él comopropuesta para que expusiéramos en la galería pensando en piezas no objetuales, e incluir a Manolo Marquez, su trabajo me parece muy interesante, así que pensé que sería una buena oportunidad de hacer cosas que no he expuesto. Yo sugerí tomar como referencia el tema de espacio, de alguna forma, me interesaba abordarlo a través del texto. La idea de hacer piezas procesuales se fue dando una vez que los demás se fueron involucrando en la generación de sus piezas. En lo que a mi respecta, las piezas en las que participo no son de esa naturaleza.

(CM) Tengo entendido que en esta muestra cada uno de ustedes propone un análisis y replanteamiento de la noción de 'espacio'. Además, la exposición en sí misma replantea la idea de espacio museístico o galerístico, ¿por qué consideras que esto es pertinente en el entorno actual tanto local como global?

(RS) No sé hasta que punto pueda ser pertinente globalmente, cuando creo que muchos artistas lo están haciendo y están generando nuevos discursos sobre la galería desde hace mucho tiempo. Pero recuerdo tu texto que cerró el coloquio sobre centro y periferia, sobre comenzar a mirar en nuestro lugar, la periferia, y cuestionarnos sobre nuestro comportamiento en ésta. Mi pieza está más relacionada con esta idea. (...) todo es permisible para esta exposición. Introducir un peluquero, anunciar que todo depende en la negociación, hacerse los políticos, o los rebeldes me parece una postura muy fácil. Pero es mucho más interesante conocer los hilos de esa negociación, "especular" en torno a ellos. Decidí explicarme en vez de hacer arte procesual, mis piezas en esta época son mucho más narrativas.

(MM) En el entorno global, la importancia es innegable. Los espacios dedicados al arte están en un proceso de renegociación de su papel en la sociedad en su carácter de instituciones, y de un reposicionamiento dado a que la práctica artística los ha transcendido, se ha salido a la calle o se practica desde la red. Ahora las galerías compiten de cierta forma con esos otros espacios, y corren el riesgo de dejar de atraer el interés del público. En una sociedad acostumbrada a experiencias mediadas, en donde vivimos frecuentemente experiencias con distanciamientos temporales y físicos, la galería y el museo corren el riesgo de volverse espacios arcaicos o inservibles.  Pero esto las libera de su solemnidad y de su rigidez, y permite que surjan proyectos en los que el espacio como tal se convierte en tema de reflexión.

A nivel local, debo confesar que estoy bastante desconectado de lo que ha sucedido en Xalapa en los últimos 2 años, pero creo que lo que importa es hacer este tipo de ejercicios en los que se mueva el tapete, se salga de la zona de confort que los circuitos galerísticos tienen, y que hacen que los espectadores vayan a una experiencia predecible, o sea, a ver objetos en la pared o el piso. Lo que proponemos ahora no es un reto, sino más bien acercarnos a la idea de crear una "zona de actividad", donde la galería sea un personaje, y donde se aborde el tema de la galería misma.

(CM) Manuel, tu obra refleja un arduo trabajo de experimentación, partiendo, en gran medida, de la revaloración de las posibilidades de la fotografía análoga ¿a qué se debe este interés?

(MM) Creo que antes que nada, a un impulso netamente nostálgico; por otro lado, a aprovechar la oportunidad que tenemos en este momento histórico de poder utilizar técnicas fotográficas del pasado, estamos en un punto en el que podemos fabricar desde daguerrotipos hasta imágenes digitales, pero hay técnicas, en especial la fotografía con negativo a color, que están cayendo en un desuso importante y que son muy complejas de replicar de manera casera.

A mi parecer la foto análoga tiene una relación indicial con lo fotografiado, y es distinta a la indicialidad de la imagen digital. Así que la base misma filosófica de la fotografía está cambiando. También está cambiando el papel de las imágenes en nuestra sociedad, el que sean análogas o digitales está más allá del verdadero punto en juego aquí, el cual es, a mi parecer, el uso de las imágenes en este nuevo milenio. Creo que mi trabajo trata acerca de esto, en resumen, de la relación de la fotografía con los conceptos de tiempo e historia, y trata también de la fotografía misma, en un ejercicio un tanto meta-fotográfico: foto acerca de la foto.

(CM) ¿En qué consiste tu proyecto o propuesta personal para esta exposición?

(M) En mi proyecto, llamado "Humedad", se sale de mi línea usual de producción, ya que ahora estoy proponiendo una pieza en la que trato más con los objetos mismos que con imágenes. Tiene un elemento de video, pero en realidad la pieza trata del espacio mismo. La premisa es que al operar los deshumidificadores que la galería usa para evitar daño al recinto y a la obra expuesta, se genera un residuo: agua. La humedad en el  ambiente es transformada en agua, pero por lo general esta agua se desecha. Para mí, este es un proceso de transmutación, de solidificar algo que está flotando en el ambiente. El agua captada tiene la atmósfera del espacio de donde sucede este proceso (la galería), y una relación con el día en el que fue captada. En pocas palabras, es un registro indicial del mismo tipo que lo es una huella en la arena, una columna de humo, una pincelada, o una fotografía. Me interesa también la idea de la acumulación y la idea de hacer algo que me remita al concepto de Xalapa ¿Qué cosas caracterizan a Xalapa como lugar? La humedad es indudablemente un elemento activo en la ciudad. ¿Qué sería de esta pieza si la quisiera hacer en la ciudad de México, o digamos en Zacatecas, u otro lugar árido o seco? La idea sería otra, sería la idea del esfuerzo, y no la de una acumulación desbordada. Al final, el agua captada es la obra, es el producto de este gesto creativo, el cual sucede en un espacio, que en este  caso es una galería.

(CM) Rodolfo, tu obra es muy personal y al mismo tiempo posee un carácter lúdico y relajado, ¿en qué medida crees que esto refleja tu entorno cotidiano?

¿En qué consiste tu proyecto o propuesta personal para esta exposición?

(RS) Esas son cómo diez preguntas, y espero no caer en un comentario demasiado arbitrario: Lo personal es producto de lo colectivo, de lo social. Así como se dice que cuando muere un anciano muere una biblioteca, nuestro cuerpo es el lugar de las imágenes, pueden existir físicamente, puede haber textos que lo avalen académicamente, pero Hans Belting, por ejemplo dice que somos “el organismo vivo para las imágenes”,  nosotros somos quienes las llamamos, las generamos, las exportamos y las interiorizamos de nuevo, por lo tanto a pesar de su permanencia en el tiempo y el espacio, su sentido siempre será efímero y difícil de controlar.

Es aún más complicado cuando mi entorno cotidiano está filtrado por la noción de "creatividad" o "artisticidad" represento como un pintor, o mis modelos son vistos como modelos, "una montaña es una montaña". Si algo me interesa de mi pieza para esta exposición es desmantelar y elucubrar en torno a mi noción de representación, de arte, de los lugares comunes, de nuestra relación con el tiempo y el espacio dentro y fuera del arte. Como te dije, a través de asociaciones libres, más que de un rigor científico. Como te dije, las piezas que presento evaden mis intereses sobre el arte contemporáneo, no se deshacen del carácter intimista de mis pinturas o dibujos desenfadados, pero si evita la representación pictórica que es un tema que me interesa. El hecho de que hayamos planteado las piezas como ejercicios me da cierta libertad de salir de mi trabajo bidimensional.

(CM) ¿Qué les inspira? /¿Cómo es su proceso creativo?

(MM) Después de mucho pensar, llego a la conclusión que mi inspiración viene del gesto humano por hacer marcas (simples o complejas) que nos den una idea de un suceso o de un lugar. Al hacer fotografía o escribir un texto, me interesa el aspecto temporal de las marcas de pasado. Pienso en las inscripciones mayas, en las que sus creadores hacían esfuerzos extraordinarios por marcar el tiempo, o en la obra de artistas como On Kawara, Robert Smithson, Hollis Frampton, y toda una generación de artistas conceptuales de los 1960s.

Mi proceso creativo viene de poder dedicar tiempo a lo hago, y de reflexionar acerca de lo que hago, y acerca de las características intrínsecas del medio con el que esté trabajando. Me interesa cuestionar que distingue a una foto de un video, un texto, o una pintura. Esto para después explotar esos elementos que hace único a cada medio, o para juntarlos y crear tensión entre ellos, en combinaciones, como foto-texto, readymade-texto, o readymade-foto, etc. Las permutaciones son múltiples e ilimitadas.

RS) Tengo la idea de que nuestro paso por la creatividad y por fijarnos en ella es sumamente accidental. Todos somos creativos, y solamente los comentaristas de noticias y los políticos actuales leen desde un teleprompter. Y la noción de personas creativas es sumamente cercana a la profesión artística. Mi proceso creativo tiene que ver más con los libros que leo, las pinturas que veo, los programas que veo en la tele, las noticias, las nociones de arte. Es mucho más accidental y está más accidentado que mi noción sobre mí. Creo, además, que estoy en formación, y que durante un rato me permitiré viajar por los más visitados lugares comunes, hasta nuevo aviso. La periferia es un lugar muy cómodo para poder hacer eso.

(CM) ¿Qué le dirías al público asistente poco familiarizado con el arte procesual?

(MM) Pues lo invitaría a venir, ver la exposición y cuestionarla. Que se pregunten si es pertinente o valido hacer arte de esta manera, y que no sean espectadores pasivos, sino que aprovechen e interactúen con la obra y la galería.

(RS) Que toda pieza de arte requiere de un proceso bilateral, todo productor de objetos requiere de un proceso previo, y todo espectador requiere de un proceso para leerla, en caso de no ignorarla. Las piezas de arte procesual hacen énfasis en la relación bilateral, hacen que el arte se parezca más a la vida, se basa más en los accidentes (en el sentido aristotélico de la palabra) que en las definiciones.