Conversación virtual con Rodolfo Sousa y Manuel Márquez
(Carmen María) ¿Cómo surge la idea del
proyecto Especies de Espacios o cómo es que se involucran en el proyecto?
(Manuel Márquez) Me
involucré por invitación directa de Nicolás Guzman, quien es un muy buen amigo
mío, y con quién comparto muchos puntos de vista sobre cómo abordamos y cómo
pensamo el arte, aunque cada quien desde su respectivo campo de trabajo. Él
desde la gráfica, la instalación y el ensamblaje; y yo desde la imagen
fotográfica, el video y la teoría crítica. Era una buena oportunidad de exponer
en Xalapa después de haberme ido de la ciudad en 2010. Además me atrajo mucho
la idea de tener carta libre para exponer lo que deseáramos y de hacer una
pieza que tratara un poco acerca de Xalapa.
(Rodolfo Sousa) No sé exactamente como surgió, yo creo que ocurrió en dos o tres partes. Primero Nicolás me incitó a escribir el proyecto con él comopropuesta para que expusiéramos en la galería pensando en piezas no objetuales, e incluir a Manolo Marquez, su trabajo me parece muy interesante, así que pensé que sería una buena oportunidad de hacer cosas que no he expuesto. Yo sugerí tomar como referencia el tema de espacio, de alguna forma, me interesaba abordarlo a través del texto. La idea de hacer piezas procesuales se fue dando una vez que los demás se fueron involucrando en la generación de sus piezas. En lo que a mi respecta, las piezas en las que participo no son de esa naturaleza.
(Rodolfo Sousa) No sé exactamente como surgió, yo creo que ocurrió en dos o tres partes. Primero Nicolás me incitó a escribir el proyecto con él comopropuesta para que expusiéramos en la galería pensando en piezas no objetuales, e incluir a Manolo Marquez, su trabajo me parece muy interesante, así que pensé que sería una buena oportunidad de hacer cosas que no he expuesto. Yo sugerí tomar como referencia el tema de espacio, de alguna forma, me interesaba abordarlo a través del texto. La idea de hacer piezas procesuales se fue dando una vez que los demás se fueron involucrando en la generación de sus piezas. En lo que a mi respecta, las piezas en las que participo no son de esa naturaleza.
(CM) Tengo entendido que en esta
muestra cada uno de ustedes propone un análisis y replanteamiento de la noción
de 'espacio'. Además, la exposición en sí misma replantea la idea de espacio
museístico o galerístico, ¿por qué consideras que esto es pertinente en el
entorno actual tanto local como global?
(RS) No sé hasta que
punto pueda ser pertinente globalmente, cuando creo que
muchos artistas lo están haciendo y están generando nuevos discursos sobre la galería desde hace mucho tiempo.
Pero recuerdo tu texto que cerró el
coloquio sobre centro y periferia, sobre comenzar a mirar en nuestro lugar, la periferia, y cuestionarnos
sobre nuestro comportamiento en ésta. Mi
pieza está más relacionada con esta idea. (...) todo es permisible para esta exposición. Introducir un peluquero, anunciar que todo depende en
la negociación, hacerse los políticos, o
los rebeldes me parece una postura muy fácil. Pero es mucho más interesante conocer los hilos de esa negociación,
"especular" en torno a ellos. Decidí
explicarme en vez de hacer arte procesual,
mis piezas en esta época son mucho más narrativas.
(MM) En el
entorno global, la importancia es innegable. Los espacios dedicados al arte
están en un proceso de renegociación de su papel en la sociedad en su carácter
de instituciones, y de un reposicionamiento dado a que la práctica artística
los ha transcendido, se ha salido a la calle o se practica desde la red. Ahora
las galerías compiten de cierta forma con esos otros espacios, y corren el
riesgo de dejar de atraer el interés del público. En una sociedad acostumbrada
a experiencias mediadas, en donde vivimos frecuentemente experiencias con distanciamientos
temporales y físicos, la galería y el museo corren el riesgo de volverse
espacios arcaicos o inservibles. Pero
esto las libera de su solemnidad y de su rigidez, y permite que surjan
proyectos en los que el espacio como tal se convierte en tema de reflexión.
A nivel
local, debo confesar que estoy bastante desconectado de lo que ha sucedido en
Xalapa en los últimos 2 años, pero creo que lo que importa es hacer este tipo
de ejercicios en los que se mueva el tapete, se salga de la zona de confort que
los circuitos galerísticos tienen, y que hacen que los espectadores vayan a una
experiencia predecible, o sea, a ver objetos en la pared o el piso. Lo que
proponemos ahora no es un reto, sino más bien acercarnos a la idea de crear una
"zona de actividad", donde la galería sea un personaje, y donde se
aborde el tema de la galería misma.
(CM) Manuel, tu obra refleja un arduo
trabajo de experimentación, partiendo, en gran medida, de la revaloración de
las posibilidades de la fotografía análoga ¿a qué se debe este interés?
(MM) Creo
que antes que nada, a un impulso netamente nostálgico; por otro lado, a
aprovechar la oportunidad que tenemos en este momento histórico de poder
utilizar técnicas fotográficas del pasado, estamos en un punto en el que
podemos fabricar desde daguerrotipos hasta imágenes digitales, pero hay
técnicas, en especial la fotografía con negativo a color, que están cayendo en
un desuso importante y que son muy complejas de replicar de manera casera.
A mi
parecer la foto análoga tiene una relación indicial con lo fotografiado, y es
distinta a la indicialidad de la imagen digital. Así que la base misma
filosófica de la fotografía está cambiando. También está cambiando el papel de
las imágenes en nuestra sociedad, el que sean análogas o digitales está más
allá del verdadero punto en juego aquí, el cual es, a mi parecer, el uso de las
imágenes en este nuevo milenio. Creo que mi trabajo trata acerca de esto, en
resumen, de la relación de la fotografía con los conceptos de tiempo e
historia, y trata también de la fotografía misma, en un ejercicio un tanto
meta-fotográfico: foto acerca de la foto.
(CM) ¿En qué consiste tu proyecto o
propuesta personal para esta exposición?
(M) En mi
proyecto, llamado "Humedad", se sale de mi línea usual de producción,
ya que ahora estoy proponiendo una pieza en la que trato más con los objetos
mismos que con imágenes. Tiene un elemento de video, pero en realidad la pieza
trata del espacio mismo. La premisa es que al operar los deshumidificadores que
la galería usa para evitar daño al recinto y a la obra expuesta, se genera un
residuo: agua. La humedad en el ambiente
es transformada en agua, pero por lo general esta agua se desecha. Para mí,
este es un proceso de transmutación, de solidificar algo que está flotando en
el ambiente. El agua captada tiene la atmósfera del espacio de donde sucede
este proceso (la galería), y una relación con el día en el que fue captada. En
pocas palabras, es un registro indicial del mismo tipo que lo es una huella en
la arena, una columna de humo, una pincelada, o una fotografía. Me interesa
también la idea de la acumulación y la idea de hacer algo que me remita al
concepto de Xalapa ¿Qué cosas caracterizan a Xalapa como lugar? La humedad es
indudablemente un elemento activo en la ciudad. ¿Qué sería de esta pieza si la
quisiera hacer en la ciudad de México, o digamos en Zacatecas, u otro lugar
árido o seco? La idea sería otra, sería la idea del esfuerzo, y no la de una
acumulación desbordada. Al final, el agua captada es la obra, es el producto de
este gesto creativo, el cual sucede en un espacio, que en este caso es una galería.
(CM) Rodolfo, tu obra es muy personal y al mismo tiempo
posee un carácter lúdico y relajado, ¿en qué medida crees que esto refleja tu
entorno cotidiano?
¿En qué consiste tu proyecto o propuesta personal para
esta exposición?
(RS) Esas son cómo diez preguntas, y espero no caer en un comentario demasiado
arbitrario: Lo personal es producto de lo colectivo, de lo social. Así como se dice que cuando muere un anciano
muere una biblioteca, nuestro cuerpo es
el lugar de las imágenes, pueden existir físicamente,
puede haber textos que lo avalen académicamente, pero Hans Belting, por ejemplo dice que somos “el organismo
vivo para las imágenes”, nosotros
somos quienes las llamamos, las generamos, las exportamos y las interiorizamos de nuevo, por lo tanto a pesar de su
permanencia en el tiempo y el espacio, su
sentido siempre será efímero y difícil de
controlar.
Es aún más complicado cuando mi entorno
cotidiano está filtrado por la noción de
"creatividad" o "artisticidad" represento como un pintor, o mis modelos son
vistos como modelos, "una montaña es
una montaña". Si algo me interesa de mi pieza para esta exposición es desmantelar y elucubrar en torno a mi
noción de representación, de arte, de los
lugares comunes, de nuestra relación con
el tiempo y el espacio dentro y fuera del arte. Como te dije, a través de asociaciones libres, más que de un rigor
científico. Como te dije, las piezas que
presento evaden mis intereses sobre el arte contemporáneo, no se deshacen del carácter intimista de mis pinturas o
dibujos desenfadados, pero si evita la
representación pictórica que es un tema
que me interesa. El hecho de que hayamos planteado las piezas como ejercicios me da cierta libertad de salir de mi
trabajo bidimensional.
(CM) ¿Qué les inspira? /¿Cómo es
su proceso creativo?
(MM) Después
de mucho pensar, llego a la conclusión que mi inspiración viene del gesto
humano por hacer marcas (simples o complejas) que nos den una idea de un suceso
o de un lugar. Al hacer fotografía o escribir un texto, me interesa el aspecto
temporal de las marcas de pasado. Pienso en las inscripciones mayas, en las que
sus creadores hacían esfuerzos extraordinarios por marcar el tiempo, o en la
obra de artistas como On Kawara, Robert Smithson, Hollis Frampton, y toda una
generación de artistas conceptuales de los 1960s.
Mi proceso
creativo viene de poder dedicar tiempo a lo hago, y de reflexionar acerca de lo
que hago, y acerca de las características intrínsecas del medio con el que esté
trabajando. Me interesa cuestionar que distingue a una foto de un video, un
texto, o una pintura. Esto para después explotar esos elementos que hace único
a cada medio, o para juntarlos y crear tensión entre ellos, en combinaciones,
como foto-texto, readymade-texto, o readymade-foto, etc. Las permutaciones son
múltiples e ilimitadas.
RS) Tengo la idea de que nuestro paso por la creatividad y por fijarnos
en ella es sumamente accidental. Todos somos creativos, y
solamente los comentaristas de noticias y
los políticos actuales leen desde un teleprompter.
Y la noción de personas creativas es sumamente cercana a la profesión artística. Mi proceso creativo tiene que
ver más con los libros que leo, las
pinturas que veo, los programas que veo en la tele, las noticias, las nociones de arte. Es mucho más accidental y
está más accidentado que mi noción sobre mí.
Creo, además, que estoy en formación, y
que durante un rato me permitiré viajar por los más visitados lugares comunes, hasta nuevo aviso. La
periferia es un lugar muy cómodo para
poder hacer eso.
(CM) ¿Qué le dirías al público
asistente poco familiarizado con el arte procesual?
(MM) Pues lo
invitaría a venir, ver la exposición y cuestionarla. Que se pregunten si es
pertinente o valido hacer arte de esta manera, y que no sean espectadores
pasivos, sino que aprovechen e interactúen con la obra y la galería.
(RS) Que toda pieza de arte requiere de un proceso bilateral, todo productor
de objetos requiere de un proceso previo, y todo espectador requiere de un proceso para leerla, en caso de no
ignorarla. Las piezas de arte procesual
hacen énfasis en la relación bilateral, hacen que el arte se parezca más a la vida, se basa más en los accidentes
(en el sentido aristotélico de la palabra) que
en las definiciones.
